ブログ三木労音NOW！

2026年6月22日月曜日

【次回例会紹介】ひとつの太鼓から無限に広がるサウンド！これぞまさにタンバリンのパラダイムシフト ― 田島隆（タンバリン奏者）

次回例会は、世界でも大変珍しいタンバリンの専門家、“タンバリン博士”こと田島隆さんの登場です。
今回のブログでは、田島隆さんへのインタビューをご紹介します。
聞き手　小巻健（三木労音事務局長）
制作協力　ハーモニーフィールズ

田島隆さん

―はじめにタンバリンという楽器について教えていただけますか？

田島隆さん（以下、田島さん）　「タンバリン」と命名されている楽器は、一般的には小学校や幼稚園で使っている、枠に皮が張ってあり、周りに小さいシンバルみたいなものが付いているあの楽器、あとはカラオケとかスナックなどにある皮がついていない輪っかだけの楽器、それと100均などで買えるような子どものおもちゃの楽器、それにもう少し専門的になるとクラシックのオーケストラでのパーカッション打楽器で使われている楽器、僕が思うにはその４種類だと思っています。
しかし世界各地には、同じような枠に皮が張ってある太鼓が古くから存在していて、その起源は紀元前まで遡ります。考古学的記録に初めて登場するものは、紀元前5600年、つまり今から7600年前にチャタル・ヒュユク(現在のトルコ辺りの村)ですが、他にも世界各国の壁画や土偶などに描かれています。またギリシャ神話を始めとする各地の神話にも登場します。
こういった枠に皮が張ってある太鼓を「フレームドラム」と総称しますが、フレームドラムは他の太鼓の起源と言われていて、神事や祭事などに使われていたようです。
初めは枠に皮が張ってあるシンプルなフレームドラムでしたが、打つ事でより響くように共鳴するツールが付き始めました。ある地域は小さなシンバル、ある地域は枠の内側に小さなリングをぶら下げているもの、またある地域では皮の裏に響き線を張ったもの、そしてある地域では両面に皮を張り、中に木の実などを入れたもの・・・地域によって共鳴するツールが少しずつ違いながら発展していきました。
時代が大きく経ち、クラシック音楽がヨーロッパに誕生しますと、モーツァルトの時代辺りから次第に打楽器が登場するようになり、その時にイタリアで伝わってきたタンブレッロやバスク地方のパンデロアという楽器を元にして作られたオーケストラ用の楽器がタンブール・ド・バスク（バスク地方の太鼓）と呼ばれ、それが次第にタンバリンと呼ばれるようになったようです。そしてクラシック音楽でのタンバリンの演奏法はそれまでのような皮の音を響かせる、いわゆる太鼓の様な扱いではなく、皮を強く叩いたりジングルの鳴りを重要視した奏法へと変わっていきました。
そしてヨーロッパのクラシック音楽が全世界に広がっていき、後に日本にも入ってきました。クラシックの音楽と共に多くの楽器も入ってきて、その中でタンバリンは、学校などの教育用の楽器として広く知られるようになりました。また西洋ではロックやフォークミュージック、日本でもグループサウンズが流行した頃に、歌手が片手にタンバリンを振りながら演奏している光景も良くみられました。その中で、皮の必要性がないということで取り外されます。これがいわゆるカラオケなどで使われる「モンキータンバリン」です。ちなみにこの呼び名は日本のみで、正式名称はヘッドレス・タンバリン（=皮のないタンバリン）です。
最初に言いました「タンバリンは４種類」というのは、このようにクラシック音楽と共に普及した「タンバリン」と名の付く楽器がこれだけということで、世界には「叩く」「小さな太鼓」という意味の名前を持つ太鼓がたくさんあります。
例えばインドやペルシャでは「ダフ」（小さな太鼓、手で持って叩く太鼓の意）、トルコや中東では「ベンディール」（手で持って叩く太鼓）、他にもタンブレッロやタンブーラやタンブロー・・・など無数にあるのですが、全部その語源は「手で持って打つ小さな太鼓」という意味のようですね。本当にどこが発祥か分からないぐらい各地に同じような枠に皮が張ってある太鼓が伝わっていることは、本当に不思議です。

―田島さんはどういう音楽体験を経て、タンバリンに出会われたのでしょうか。

田島さん　実はタンバリンは僕の中ではわりと最近なのです。
最初の音楽体験は、４歳の時のエレクトーンでした。当時エレクトーン奏者だった松田昌さん（注：三木労音では2017年にピアニカ奏者として出演）のコンサートへ親に連れていってもらったことがきっかけでした。当時まだ電子音楽は珍しく、たった一つの箱から低い音や高い音のメロディー、和音、リズム、言ってみればオーケストラのような音を一人で演奏していることにすごく驚き、親に頼んで習わせてもらいました。
エレクトーンというのは、トランペット、バイオリン、チェロ、ギターなどあらゆる種類の楽器の音が入っていて、リズムもサンバとかボサノバとか、いろんなパターンが入っているのですが、次第に今度はひとつひとつの音色に、この楽器はどんな楽器なのだろうと無限に関心が広がっていきました。一方で当時流行っていたテクノポップなどのエレクトリックミュージックにも興味が沸き、とにかく音が出るもの全部に興味があるような子供時代でした。
そして幸運だったことに、親に買ってもらったエレクトーンを家に運んでくれた運送業者の人が、この楽器を練習するのなら録音の仕方を教えてやろうと、ラジカセ二台を使って多重録音（片方のラジカセで最初録音した音を再生しながら演奏し、もう片方のラジカセでそれを録音する）、いわゆるオーバーダビングのやり方を教えてもらい、それを延々とやったら何十人の編成が一人でできるので、もうそれに完全にはまってしまいました。身の回りのいろんなものを叩いてリズムを作って、それをオーバーダビングしたり、自分で歌ったり、ちょっとしたメロディーを作ったり、学校から帰ってきたらひたすら作品作りにいそしんでいました。また近所の水道工事をやっていた人からいらないプラスチックの水道菅をもらってきて、火で炙って（今思えば危険でした）ぐるっと巻いてトランペットみたいな管楽器にして吹いたり、いろんなことをしていました。
それで中学生になった時に吹奏楽部に入って、晴れて本物の管楽器に触れることになり、それから高校までチューバ、クラリネット、トロンボーンと色々やらせてもらいました。そうこうしながらもオーバーダビングによる作品作りの趣味はずっと続いて、いろんな楽器を入れたりしていましたが、高校三年生の時にギターを入れたくなって、夏休みに友達にエレキギターを借りて録音しました。これは面白い楽器やなと思い、一旦返したもののその後ギターにすごくはまっていきました。それまで鍵盤楽器が中心でしたが、ドレミの音が固定されているエレクトーンに対し、ギターはチョーキング（弦を引っ張って音程を変える）やチューニングで音を変えることができる、その時の自分にとっては信じられないくらいの自由度を感じて、そこから急にギタリストに転向していきました。
ギタリストとして活動する間も、ドラム奏者をしたり、曲を作って提供したりと散らかったような状態でしたが、39歳の時、学生時代の友人に見せてもらったアメリカのハードロックバンド「Mr.BIG」のライブビデオを見たことが、大きな転機になりました。
ご存じでしょうか？ギタリストのポール・ギルバートとベーシストのビリー・シーンが電気ドリルの先端にピックを付けてそれぞれギターとベースを演奏するというパフォーマンス。それに衝撃を受けたのです。電気ドリルは日本のマキタ製でした（笑）。これをやってみたいと思いながら、でもマキタのドリルは高いし、ポール・ギルバートはマキタでないとダメと書いてあったし（笑）。悶々としていて、結局買わずに手をドリルみたいに回して、これで何とかなれへんかなと思ったのです（笑）。子供の時に見た「ゲッターロボ」のゲッター２になりきって（笑）。でも最初からそれでギターを弾くと弦に手がこすれて痛そうなので、まずは太鼓で試してみよう、と手にしたのが小学校のタンバリンだったのです。
そうして打ってみたら想像を絶する音が出たのです。いわばドラムのソロでいろんな太鼓を一度にドドドーンと叩いているような音でした。その時に、タンバリンって単純な音しか出ない子供の楽器って思っていたことが覆された、これはひょっとして世界的な大発見じゃないかなと思いました。それで打楽器をやっている知人に見てもらったところ「タンバリンでそんな音や奏法は聞いたことがない。タンバリン専門の奏者になるしかないよ」って言われ、その言葉を真に受けて僕はタンバリン奏者になりました。
さらに、ちょっとドリルみたいにと思っただけで自分の想像を絶する音が出たので、これは相当ポテンシャルの高い楽器かもしれないと。よく見たら太鼓で、かつシンバルがついているから、これドラムセットと同じ音が出せるのじゃないかと思い、自分で打ち方など研究をし始め、それからどんどんとタンバリンにのめり込んで、現在に至っています。

―田島さんは現在、どれくらいの種類のフレームドラムをお持ちですか。

田島さん　どうでしょう、100種類以上はありますが、数えきれていません（笑）。
2024年に「世界を巡るタンバリン100」という本を出版したのですが、その時編集者から出版するにあたって100種類のタンバリンを紹介するというコンセプトにしたいと言われ、その時何種類あるか自分で把握していなかったので、もし足りなければ他の人に協力をしてもらって100種類にしましょうと、帰って数えてみたら普通に100を超えて全然大丈夫でした（笑）。逆にこれは入れたいけれど入らないからどっちにしよう、みたいな感じになっちゃって。なので120種類ぐらいは多分ありますね。
それでもまだ私も知らないものもきっとたくさんあるし、知っているけど持っていないものもあります。例えば、フィンランドのサーミ族が使っているあのフレームドラムのように、シャーマンが使っているドラム。そういうのは楽器ではないので、楽器屋さんで売っていないし、その人からもらうわけにはいかない。あと楽器奏者が自分で演奏するために自分で楽器を作る事が結構あり、そういう場合は予備の楽器なんかはもちろんないですし、売るために作っていない。そういう楽器は手に入りにくいのです。また海外の国は、同じ地域でも時代によって国境線が変わり、その都度文化も替わることから、同じ国に何種類も楽器がある場合もあります。
でもたくさん楽器を持っているからといってもあくまで演奏するためであって、コレクターではないです。見た目から全く音が想像できない、またこの音がどうやってこの楽器から出るのか、構造がどうなっているのか、そういう興味から手に入れることはあります。

―どのようにしてそれぞれの楽器の叩き方を習得されたのですか。

田島さん　よく「世界中を回って習ったのですか」と聞かれるのですが、世界中も回ってないし、習ってもないです。元々子どもの頃から、習うより自分の中から湧き出てくるものをやると、生意気ながら決めてやってきました。タンバリンをやる中で思ったことは、形や皮の材質などに奏法のヒントが隠されている、特に歴史が古ければ古いほどそれが顕著で、打った時に鳴る音、その鳴らし方から、演奏するうちにだんだん進化していったことに気づくのです。例えばリングがぶら下がっていたら、楽器を倒したらジャンと音が鳴る、揺さぶったらシャンシャンと鳴るとか。何というか、奏法とリンクしているのです。現代の電子楽器は発音と奏法とがリンクしていませんが、太鼓のような原始的な楽器であればあるほど、奏者と作り手が工夫をしながら楽器の形が変化していき、それに伴って奏法も変化し成長していった痕跡があり、そこから奏法を辿ることもある。そうやっていくとほぼ正解というか、間違った方向には行かないですね。
その反対に、この楽器がこうなったら面白いのにな、そんな楽器ってないのかなと探してみて、なかったら自分で作ります。例えば、他の楽器にタンバリンの要素を組み込む、ギターや管楽器にジングル（小さいシンバル）をつけて叩きながら弾く、振りながら吹くとどうなるか（笑）。なんか子どもの時にやっていたことと変わっていませんね（笑）。
先ほどタンバリンでドラムセットみたいな奏法を研究したと言いましたが、タンバリン自体もドラムセットに近づけようと、スネアドラムの響き線を付けて、タムとバスドラムの違いを出すために音の高さを変えられるようにしたり、ハイハットのようにジングルを開け閉めできるスイッチをつけたり・・・そうして出来た楽器が、私の代名詞的な楽器「タジバリン」です。

―田島さんが伝えたいタンバリンの魅力とはどんなところでしょうか。

田島さん　楽器としてはやっぱり何と言っても、一般的に思われているイメージと実際のポテンシャルとのギャップの大きさですよね。多分どんな楽器でもあると思いますが、それがはっきり分かると思います。
タンバリンという楽器は打楽器の奏法の主な３つの奏法「叩く」「振る」「擦る」、この３つの奏法が全部できる楽器、ということが音楽辞典やウィキペディアに書いてあります（笑）。
叩く打楽器は太鼓など、振る打楽器はマラカスなど、擦る打楽器はギロなど・・・と色々ありますが、この奏法がタンバリンひとつで全部できる、しかもそれぞれの奏法を別々にではなく同時にすることができる。片方の手で振りながらもう片方の手で打つ、まあちょっと難しいですけどね。そうしたら複数の人が演奏しているような音になるのです。
それと、タンバリンは素手で音が出る部分に直接触れる打楽器で、皮に触れると皮の音が鳴るし、金属部分に触れると金属の音が鳴る。当たり前ですが、これが精神衛生上とても良いのです（笑）。気持ちいい。バイオリンは弓を介しているし、ギターはもちろん手で弾く部分はありますが、右手だけでなく左手で押さえるなど複雑なところがある、鍵盤楽器はハンマーが叩く・・・その点タンバリンは音を出す動作が身体と直結しているので、気持ちが良いのです。セルフマッサージみたいな感じといえばいいのでしょうか。

―最後に７月26日のコンサートの聞きどころを教えてください。

田島さん　チラシのタイトルが「あなたの知らないタンバリンの世界」となっているように、先ほどと重複しますが、一般的にタンバリンの知られている音とはもう全然違う音が聞こえてくる、今聞こえている音は全部タンバリンから出ている音という発見、太鼓の音、シンバルの音はもちろん、他にいろんな音が聞こえますし、その上メロディーも聞こえてくる、それがひとつのタンバリンから聞こえてくるということはぜひ聞いてもらいたいです。ひいては私が最初にタンバリンを叩いた時の驚き、もっと言うとエレクトーンの音を初めて聞いた時のようなひとつの楽器から全部の音が鳴っている不思議さ、そういう感覚を感じてもらえたら嬉しいですね。
プログラムはソロ演奏もやりますが、宮川真由美さんのピアノにもサポートしてもらいます。ピアノとパーカッション、ピアノとドラムなどはよくありますが、ドラムじゃなくてタンバリンでここまで行けますよ、といったところにご期待ください。その中でひとつ演奏する曲を紹介しますと、モンティの「チャルダシュ」を演奏します。この曲は大体バイオリンなどでメロディーを演奏しますが、それをタンバリンでやります。太鼓って普段ほぼ伴奏側ですが、タンバリンがメロディーを奏でて、ピアノに伴奏してもらう、という自分の中でのひとつの夢を披露します。
それと、コンサートはステージで演奏する人、客席で聴く人と分かれているよりも、聴くことは音楽をやっているのと変わらない、いわば聴き手も芸術家であると思っています。だから両方で受け取り合うことができれば音楽はもっと楽しめる。そのために私は演奏をするともいえます。
私がドリルのようにタンバリンを叩いたことで音がこんなに変わるということは、他の楽器、他の道具もちょっと視点を変えれば面白いことになるかもしれない、そんなひとつのきっかけになれば幸いです。

6/8ホテルグランヴィア大阪にて取材

＜プロフィール＞

田島隆（タンバリン）

世界で最も珍しいタンバリン専門の演奏家。ドラムセットの音やあらゆるパーカッションの音、さらには音階やメロディー演奏が可能なオリジナルタンバリンを演奏し脚光を浴びる。そして世界各国に存在するすべてのタンバリンやフレームドラムを演奏できる日本で唯一の演奏家でもある。

幼少期より管・弦・打・鍵盤楽器を習得し、また作曲もする。その経験を生かし独自の演奏方法や楽器製作など、かつてない方法論で音楽を表現する。そのオリジナルタンバリンと世界のフレームドラムを使い、国内外で演奏する。世界中のフレームドラムを学ぶための教室を各地に持ち、また各国のフレームドラムを作るためのワークショップも行っている。

ワールドフレームドラムフェスティバル「Tamburi Mundi」など海外のフレームドラムフェスティバルに初めて日本人のメンバーとして招待される。

リットーミュージックより出版された世界中のフレームドラムを100種類オールカラーで紹介、動画視聴もできる書籍「世界を巡るタンバリン100」の著者でもあり、記念カレンダーも販売中。

ウェブサイト https://tazy.jp/

宮川真由美（ピアノ）

3歳より鍵盤楽器に親しむ。大阪音楽大学器楽学科ピアノ専攻卒業。

クラシックを基礎に、ジャズ、ラテン、邦楽、民族音楽などジャンルを越えた幅広い音楽活動を展開。ライブやコンサート出演のほか、アーティストサポート、作編曲など多方面で活躍している。

躍動感あふれる演奏スタイルから「踊るピアニスト」とも称される。

主な受賞歴に、大阪国際室内楽コンクール（フェスタ部門）銀賞、金沢ジャズコンペティション優勝、奈良大仏フェスティバルグランプリ。

そのほか、ジャズライブや各種イベント、地域コンサートなどに多数出演し、ジャンルを越えて音楽の魅力を伝えている。

三木労音6・7月例会（第213回）

あなたの知らないタンバリンの世界

田島隆（タンバリン博士）

2026年7月26日（日）14:00開演

三木市文化会館小ホール

三木労音会員へ入会希望の方は、チラシ裏の入会申込書に会費2か月分（田島隆タンバリン例会から参加希望の方は6・7月分）と入会金（1,000円）を添えて､三木労音会員か事務局までお申し込み下さい。

ホームページからの入会申込みはこちら→http://www.mikiroon.com/info.html

詳細は三木労音事務局　TEL 0794-82-9775、またはメールinfo@mikiroon.comまでお問い合わせください。

2026年6月8日月曜日

チェロと二胡、お二人が紡ぐ音の会話にゆったり聴き入ったひとときでした

6月、梅雨に入りましたね。

水田に並ぶ苗が美しい季節です。

さて、先月行いました三木労音例会「植草ひろみ＆鳴尾牧子　チェロと二胡の調和」のご報告です。
西洋の弦楽器・チェロと東洋の弦楽器・二胡の異なる文化背景を持つ2つの楽器が、どのようなハーモニーを奏でられるか、とても楽しみに当日を迎えました。

開場前ロビーにて行いました歓迎会にて

会員の例会スタッフ一同と記念撮影

コンサートが始まると、最初からとても自然な音の調和が。

重厚な和音、そして感情豊かにメロディーを歌い上げるチェロと、繊細な節回しとポルタメントやビブラートが艶やかな二胡が、音楽の中で自然に溶け合います。

お二人がそれぞれに「なるぽん」「ひろみん」と呼び合う仲の良さと、お互いに共通する「クラシックや中国伝統音楽にとどまらない、オリジナリティあふれる音楽活動」が、異なる楽器を自然に結びつけたのではないかなと思います。

コンサートではお互いの作曲作品あり、オペラ曲あり、中国伝統曲あり、と、なかなか他で聴けないプログラムでしたが、中でも平和を祈る「鳥の歌」を、東西で異なる文化の楽器で演奏されたことは象徴的な演目だったように感じました。

二胡とチェロとの、合わせて6本の弦で演奏する「リベルタンゴ」もユニークでした。

それぞれがメロディーと伴奏という役割分担をせず、それぞれが弾くメロディーが絡み合って時にバトルし、時に共に歌い、リズム隊がいない分逆に刺激的なセッションでした。

西洋楽器と東洋楽器ということを忘れて、たっぷり、ゆったり、お二人が紡ぐ音の会話に聴き入ったひとときでした。

アンコールは植草さんのチェロ独奏に合わせて、鳴尾さんが花道から龍を回しながらステージに。鳴尾さんが健康法としてはまっておられる龍舞のパフォーマンスに会場が沸きました。

例会終演後、運営スタッフの有志で植草さん鳴尾さんを囲んで、一休庵にて食事交流を行いました。

植草さん鳴尾さんをはじめ、スタッフの皆さんの感想も聞く楽しいひとときで、なごやかに一日を締めくくりました。
植草さん、鳴尾さん、そしてお二人をつないでくださった中北さん、本当にありがとうございました。
そしてスタッフのみなさんもお疲れ様でした。

2026年4月27日月曜日

【次回例会紹介】音楽、そして人間性が共鳴し合う ― ６本の弦から生まれる、愛と信頼のハーモニー ― 植草ひろみ（チェロ奏者）＆鳴尾牧子（二胡奏者）　

次回例会は、チェリストの植草ひろみさんと、二胡奏者の鳴尾牧子さんのお二人の名手による、〝東西の弦楽器〟のコラボレーションのステージです。
今回のブログでは、お二人へのインタビューをご紹介します。

聞き手　小巻健（三木労音事務局長）

写真左：植草ひろみさん、右：鳴尾牧子さん

植草ひろみさん、鳴尾牧子さん、楽器も異なるお二人を結びつけたのは、西宮市在住の中北富代さんという方。鳴尾さんの二胡の生徒でもあり、自身のお身内の方を通じて植草さんを知りファンになられ、いつかこのお二人で演奏を、と夢見るようになられたのは随分前からだったとのこと。

それが実現したのが昨年2025年１月。中北さんが中心となり神戸で開催された阪神・淡路大震災30年メモリアルコンサートの時でした。震災で娘さんを亡くされた中北さんは、亡き娘さんに後押しされるように、これまでに外国語大学受験、ドキュメンタリー映画製作など、様々な挑戦をされてきました。そして昨年開催されたメモリアルコンサートでは、中北さんの思いから新たな素敵なデュオが誕生。それが今回、三木労音例会にご登場いただくお二人です。

先日４月11日には神戸市灘区の音楽ホール＆ギャラリー里夢でCD発売記念コンサートを開催。コンサート終了後にお二人にお話を伺いました。

◇

―植草さん、鳴尾さん、お二人は昨年初めて一緒に演奏されたとは思えないほどとても仲が良い印象ですが、お二人がそれぞれ相手のお人柄や楽器に対してどんな魅力を感じておられますか？

鳴尾牧子さん（以下、鳴尾さん）　最初は中北さんや他の方から「植草さんというすごいチェリストがいる」と聞いていたので、初めてお会いした時はちょっと緊張しましたが、実際はすごくお茶目な方。本当はすごい演奏や経歴の持ち主ということを忘れさせてリラックスさせてくれるお茶目なお姉さんです。

チェロの音色はものすごく響きが深く、カッコいい。その響きに合わせて弾ける幸せ！響いている幸せを噛みしめながら、「自分も擦弦楽器をやっててよかったな」という気持ちで演奏しています。

植草ひろみさん（以下、植草さん）　私がどうも年上らしいのですが（笑）、鳴尾さんのほうが全然「ゴッド姉ちゃん」という感じでね（笑）。「ついてくよ」みたいな（笑）。鳴尾さんの哀愁を帯びた、心の底から出てくるようなメロディについていく心地よさに醍醐味がありますね。

―ちなみにお二人それぞれが「なるぽん」「ひろみん」と呼び合っているのもいいですね。

鳴尾さん　私は普段周りの方から「まきぽん」と呼ばれているのですが（笑）。

植草さん　私、間違えちゃうんです（笑）。皆さんが「まきぽん」って呼んでいらっしゃると分かっていながら、なぜか私の中では「なるぽん」になっちゃう（笑）。

鳴尾さん　私は中北さんが「ひろみん」って呼ばれているのでつい（笑）。それを許してくれる心の広さが・・・（涙）。

―お二人の親密さが音楽にも表れていてすごくリラックスして聴けました。楽器については西洋と東洋との楽器の響きの違いなどもあると思いますが、合わせる時にどのような工夫をされていますか？

植草さん　まず音響面では、多少チェロの方が響きが大きいので、ステージで二人が並んだ時により共鳴する場所を見つけるために、リハーサルの時に少しずつ場所をずらしながら探します。

アレンジについては私が担当しています。鳴尾さんも曲を書かれますし、アレンジもたくさんなさるのですが、「チェロの奏法は奏者じゃないとわからない」と私に任せてくれています。アレンジでは二人の役割が、例えばピアノで言うと右手と左手のように、メロディーと伴奏というふうにならないようにしています。二人のソリストがひとつのサウンドを作り上げることを目指しています。

鳴尾さん　それは相手が二胡だと本当はすごく難しいことだと思います。二胡は和音も出ない、音域もバイオリンと比べて狭い、基本的にはメロディーしかできないような楽器なのに、それを感じさせず、チェロがメロディーにまわった時も物足りなくならない、かつ私もそれなりに弾いていて気持ちいい伴奏や裏メロディーを作ってくれるというのは、実はすごく難しいことだと思っています。

―お二人は、昨年１月の阪神・淡路大震災30年メモリアルコンサートでの共演以来、６月の移情閣コンサート、８月の姫路労音会館コンサートと演奏を重ねて来られ、今年３月にはCD『ゆりかご／一番星』を発売、記念コンサートを千葉と神戸で開催されました。演奏を重ねて来られてどのようなことを感じておられますか？

鳴尾さん　曲に慣れてきて、どんどん感情移入できるようになってきました。演奏するのがどんどん楽しくなっています。

植草さん　初めはどんな感じになるだろうと手探りでしたが、今では私たちじゃなければ作れないサウンドが出来てきましたので、いっぱい聴いてもらいたいです。

昨年１月のメモリアルコンサートで初めて共演をさせてもらった時、帰り際になるぽんから「これ中国で買ってきたチェロの楽譜だけど、あげる」と、音源付きのメロディー譜をもらったのですが（珍しくて嬉しかったです）、６月の移情閣では絶対この曲をやろう、とそこからアイデアが色々と湧いてきました。この他にも何かしらの導きがあって次のアイデアが湧いてくる、というような進行を、これまで私たちはしてきました。

鳴尾さん　ひろみんはクラシックの演奏家としても物凄いと思うのですが、それ以外の引き出しもすごく多くて。二胡を二胡らしく弾いても、それを面白がってさらに盛り上げてくれるところが一緒に演奏してもすごくやりやすいです。普段クラシックだったら「音外したらあかんのとちゃうか」「こんなえげつないポルタメント（笑）かけたら引かれるんちゃうか」など思うことが、意外にすっと引き取ってくれるというか、一緒にやってくれる感じが嬉しい。

植草さん　知ってる？なるぽんの二胡の最後の音、ビブラートの速度まで見て合わせてるよ。

鳴尾さん　あ、そうなんや。私も「チェロのビブラートってこんな感じかな」って合わせるけど、逆にこっちに合わせてくれてるのですね。

一緒に演奏させてもらっているうちに、自分の弾き方がちょっとずつ変わってきているのを感じます。そういった新しい発見をもらえるのも楽しく、いいご縁をいただいたと思っています。

―CD『ゆりかご／一番星』についてお聞きしたいのですが、この企画はいつ湧いたのですか？

CD「ゆりかご　一番星」植草ひろみ　鳴尾牧子

※画像をクリックするとCD紹介のページへ移動します。

植草さん　去年の９月に突然鳴尾さんが東京に来ると分かった時に「今録るしかない」と、急遽レコーディングが決まりました。その前の８月に姫路労音さんでコンサートをさせていただきレパートリーが増えていたこともあり、私達が残したいと思ったのと、中北さんからも残したいとおっしゃってくださったタイミングが合致しました。

ちなみになるぽんが来るって知ったのは一週間ほど前、それもFacebookに書いてあるのを見て（笑）。でも、事が運ぶ時ってそういうものなんだなって思っています。みんなの思いがあっという間に形になる時というのは、何かが背中を押してくれていると感じています。それは今回は中北さんの亡くなられた娘さんの百合さんだったのでしょう。そういうことはこれまでも多かったし、私は割とそういう直感で動きます。

―最後に5/24への抱負を一言ずつお願いします。

鳴尾さん　前回出演させていただいた時は二胡と揚琴で合わせて１５０本の弦でお届けしましたが、今回は二胡が２本とチェロが４本の合わせて６本。弦の数はすごく少ないですけど、広い会場いっぱいに響かせたいと思います。私達二人の共鳴を皆さんに聴いていただきたいと思います。

植草さん　たくさんの人数で演奏することの対極、音の数を減らして減らして、これ以上減らせないという究極の組み合わせを、二人で響かせたいと思います。

神戸・里夢のコンサート終了後に

植草ひろみ（チェロ）　プロフィール

東京藝術大学を卒業後、1987年から10年間新日本フィルハーモニー交響楽団に在籍し、その後14年間聖徳大学音楽学部で後進の指導にあたった。

クラシック、タンゴ、自作曲を取り入れたCDと配信アルバムを多数リリース、またフランスやクロアチアでもコンサートを行った。

中村由利子氏とラジオ「今宵もリベロバ」、松野迅氏とラジオ「ピースリー･ミュージック」のパーソナリティを務めた。

ABC/TBSラジオ「Changeの瞬間~がんサバイバーストーリー」では自作曲がオープニング曲として使用されるなど、作曲活動にも力を注いでいる。

鳴尾牧子（二胡）　プロフィール

日本二胡界の草分けとして、伝統を踏まえつつ独自の感性で演奏を展開。

06年第1回中国音楽国際コンクールから22年敦煌杯まで国内外のコンクールで優勝。

鳴尾弦楽団主宰。 Xeno Quartet、KIKKA Ensembleリーダー。

音楽クリエーターとして放送BGM等に楽曲を提供。

伝統楽器でありながら現在進行形で発展を続ける現代の二胡を発信、新時代を拓く実験的な試みを行う。

日本二胡振興会理事。公益財団法人孫中山記念会理事。

三木労音4・5月例会（第212回）

植草ひろみ＆鳴尾牧子　チェロと二胡の調和～東西の弦が織りなす響宴～

2026年5月24日（日）14:00開演

三木市文化会館小ホール

三木労音会員へ入会希望の方は、チラシ裏の入会申込書に会費2か月分（植草ひろみ＆鳴尾牧子例会から参加希望の方は4・5月分）と入会金（1,000円）を添えて､三木労音会員か事務局までお申し込み下さい。

ホームページからの入会申込みはこちら→http://www.mikiroon.com/info.html

詳細は三木労音事務局　TEL 0794-82-9775、またはメールinfo@mikiroon.comまでお問い合わせください。

2026年4月21日火曜日

爽やかなコカリナの木の音色と、包み込まれるような歌声のひとときでした

4月も半ばを過ぎました。まだ春だというのに今日の日中は夏のような暑さでしたね。

今年の夏はどうなることやら・・・😓

さて、まだ桜も咲きかけの頃だった先月3月29日（日）に、三木労音例会「黒坂黒太郎　コカリナとうたのコンサート」を開催しました。

黒坂さんは元々フォークシンガーとして全国を回っておられ、30年くらい前にコカリナを考案されてからはコカリナ奏者として様々な演奏活動を展開してこられています。

三木労音でもかなり以前から関心を持っていたのですが、ようやく今回初めてご出演いただく機会を作ることができました。

写真に大勢写っている白黒の服装の方々は、今回共演していただいた関西コカリナアンサンブルの皆さんと、今回共演させていただくために結成した地元メンバーの三木コカリナアンサンブルのみなさんです。

せっかく黒坂さんにご出演いただくのに、地名に「木」が付く三木の市民としては、木でできたコカリナを吹かない訳にはいかない（？）と、「地元メンバーによるコカリナアンサンブルで黒坂さんとステージ共演」というアイデアを黒坂さんに提案、承諾をいただき、昨年末から準備を始めました。

コカリナはリコーダーのように吹けばとりあえず音は出る楽器ですが、独特の運指と音程を綺麗に取るには難しい部分が多くあります。

まずは簡単なメロディーのものをと「故郷」と「村の鍛冶屋」（三木市の第二市歌的）を選び、昔コカリナを買っていたのに寝かせてしまっている人、また新たに楽器購入希望者と参加を募ったところ、まずは15名ほどが集まりました。

最初に関西コカリナアンサンブルから3名の方々に指導にお越しいただき、手ほどきを受けました。

指導に熱心についていく皆さん

その後、三木労音事務所にて皆さんそれぞれの都合に合わせて練習に参加できるよう、全20回の自主練習会を行い、少ない時で3～4名、多い時で10名ほどが、それぞれの練習会に集まり練習しました。

また、途中でサークルフェスティバルやうたごえ喫茶で中間発表も行い、少しずつ自信をつけながら当日に向けて準備を進めていきました。

そしていよいよやってきた例会日。

前日には三木市にやってこられた黒坂黒太郎さんご一行を、インタビューでお話する中で話題になった「コカリナ制作に欠かせない素晴らしい大工道具」を見ていただくために、三木市立金物資料館へご案内。

時代ごとに変わっていった大工道具の歴史をご覧いただくことができました。

当日は本番前にコカリナアンサンブルとのリハーサルをステージで行いましたが、そこで初めて関西コカリナアンサンブルの皆さん(26名)の演奏を聴き、またステージで一緒に合わせてもらい、三木のメンバー一同大感激。

リハーサルの後には、黒坂さん矢口さん新倉さん、そして関西コカリナアンサンブルの皆さんのささやかな歓迎会を行いました。

会長からの歓迎の挨拶

そしてついにコンサートが開演。

1部は黒坂さん矢口さん新倉さんのステージから始まりました。

コカリナは初めての三木労音会員の皆さんに、まずはコカリナの説明からしてくださった黒坂黒太郎さん。

そしてソプラノからコントラバスまで様々なコカリナを使いながら、その音色の素晴らしさを存分に披露してくださりました。

ソプラノコカリナは本当によく通る鳥のさえずりのような愛らしく艶やかな響き、そしてコントラバスコカリナは森の奥深くから聞こえてくるような深い響き。

素朴ながら心に響くその音色に魅了されました。

矢口周美さんの歌声は、コカリナの音色に寄り添い、まるで歌詞のないコカリナの思いを代弁しているかのようでした。

コカリナの音色と相まって、矢口さんの歌声にも魅了されました。

ピアニストの新倉一梓さんは近年の黒坂さんのコンサートには欠かせない存在で、伴奏、そしてアレンジにと、その音楽を支えておられます。

そして2部の最初に、コカリナアンサンブルの皆さんが勢揃い。

黒坂さんの指揮、新倉さんの伴奏で『村の鍛冶屋』『故郷』の2曲を合奏しました。

3列のうち最前列が三木のメンバー(14名)でしたが、練習の甲斐もあり皆さん堂々と演奏されました。

その後関西コカリナアンサンブルだけで2曲演奏していただきました。

2019年に結成され、5月に3回目の定期演奏会を控えられているだけあって、コカリナ合奏の魅力が存分に感じられる素晴らしい演奏でした。

その後は再び黒坂さん矢口さん新倉さんのステージに。

黒坂さん達は演奏活動をされる中で様々な人やコカリナの「木」との出会いがあり、その思いを受け継いて演奏されることもしばしば。

そんなひとつが、広島の被爆樹から作られたコカリナです。

コンサートの最後でその被爆樹コカリナを演奏されましたが、広島の高校生から託された被爆樹が、何ともいえない音色を奏でる楽器に生まれ変わり、黒坂さんの作曲されたメロディーとも相まって、被爆した人々の無念を訴えるような印象深い音色でした。

コカリナは楽器の成り立ちからその音色を聞くだけで、木や森、そして大自然からのメッセージが聞こえてくるような楽器です。

無用な自然破壊、そしてその最たるものが戦争。コカリナの穏やかな音色を聴いていると、それらへの静かなプロテストのようにも思えてきました。

温かな音色、歌声、そしてメッセージが伝わってくる、とっても素敵なコンサートでした。

コンサート終演後は、黒坂さん達を囲んで、関西コカリナアンサンブルメンバーと三木のメンバーとで文化会館B1レストラン夢郷にて打ち上げを行いました。

黒坂さん矢口さん、また関西コカリナアンサンブルメンバーからも三木のメンバーの演奏を褒めていただき、また今回コカリナ演奏、アンサンブルの魅力を教えていただいたことで、三木の皆さんもヤル気がムクムクと沸いてきました。このまま終わるということはないでしょう。

今回の例会を通じて、このような素晴らしい機会を持てたことに、コカリナ創始者でご出演いただいた黒坂さんをはじめ、それをつないできてくださった方々、協力くださった皆さんに心より感謝します！

当日のコカリナアンサンブル共演の模様は、黒坂さんのYouYubeチャンネル「がんばろう人類！コカリナ放送局」でも紹介していただきました。

2026年3月5日木曜日

雪の中での開催！冴えわたった吉弥さんの落語の世界

もうそろそろ1か月が経とうとしていますが・・・
先月2月8日（日）に、三木労音例会「桂吉弥独演会」を開催しました。

そう、あの雪の日でした！

直前の天気予報でも雪の予報が出ていて「まあこんなこともあるよね～」と思っていたのですが、当日の朝は三木では珍しく前の夜に降った雪がうっすらと積もっていました。
道路はまだ大丈夫でしたし、これなら大丈夫よねと思って文化会館へ移動し、準備をしていると、窓越しに見える雪模様が段々と激しくなるではありませんか！
お昼前にはほぼ吹雪に・・・

そうこうしてるうちに、吉弥さんご一行が無事到着。早めに出てくださったそうですが、高速道路も通行止めになっていて遠回りして何とかたどり着かれたとか。

三木労音会員の運営スタッフ皆さんも何とか無事会館まで来られました。

まずは三木労音例会4度目となる吉弥さんはじめ、出演者の皆さんをスタッフで歓迎。

まずは、この雪の中をお越しいただいたことに対する労いと感謝の言葉を贈りました。

実際にこうしてお顔を合わせますと、今から吉弥さんの落語を生で聴けるんだという実感がわいてきて、テンションが上がります！

それでも開演が近づくにつれて、「今日はするのですか？」との問い合わせも何本かかかってきたり、「家から出れない」「やめときます」との連絡があったり・・・

会館のポーチにも雪がどんどん積もっていきます（道路は大丈夫でしたよ）。

さて、どれくらいの方が足を運んでくださるでしょうか、そんな心配の中開場しますと、それでも大勢の方が積雪をものともせず集まってくださいました！

桂弥っこさん「ん廻し」

桂吉弥さん「蛸芝居」

桂吉の丞さん「胴斬り」

桂吉弥さん「ホース演芸場」

そして中入り後は、桂吉弥さん「たちきり」

演目ごとに違った魅力を楽しめましたが、中でも吉弥さんの創作落語「ホース演芸場」と、人情噺の「たちきり」は、それぞれ三木労音のこれまでの落語例会ではなかった、初めての種類の演目でした。

終演後、満足顔で帰る方の中からも、その二つの噺が多く話題に上っていましたね。

皆さんそれぞれ大熱演で、予定時間を大きくオーバーして、終わったのは何と午後5時前！

たっぷりと3時間弱の、長いようであっという間のたのしいひとときでした。

三木労音例会の出演者の中では4回目のご出演は過去最多タイになります。

今回雪で来れなかった方の雪辱を果たすためにも、ぜひまた5回目お越しいただきたいですね！

2026年3月2日月曜日

【次回例会紹介】小さな木の笛コカリナ、その音色は木が語りかけてくる物語 ― 黒坂黒太郎（コカリナ奏者）　

次回例会は、全国に広がっている木でできた小さな笛「コカリナ」の創始者・黒坂黒太郎さんにご登場いただきます。

今回のブログでは、黒坂黒太郎さんへのインタビューをご紹介します。

聞き手　小巻健（三木労音事務局長）

黒坂黒太郎さん

―まずはじめにコカリナとの出会いを教えてください。

黒坂黒太郎さん(以下、黒坂さん)　僕は大学を卒業してからフォークシンガーとして活動していました。一方で高校時代からフルートも好きでやっていました。コンサートでもフルートを吹いたり、笛が好きでいろんなところへ行ってはそこの土地の笛を買って集めたりしていました。

ハンガリーの作曲家・コダーイに興味があり、ハンガリーにも何度か行くようになりましたが、その延長線上で今のコカリナの基になった小さな笛にたまたま出会いました。

実は最初に見つけたのは私ではなく、私の笛好きを知っている、ハンガリーに度々行っている友達で、お土産にと１本買ってきてくれたのが出会いでした。その小さな笛に私はとっても魅力を感じてしまったんですね。今まで出会った笛と構造が全く違っていて、しかも全部木で出来ている。リコーダーとも違う。

僕が育ったのは長野県の小さな村で、木に囲まれて育ちましたから、「あ、これが木の音だ」と雷が落ちたような衝撃を受けました。これほど木の音を出してくれる笛はおそらく他にないでしょう。

これは絶対やっていきたいと思いました。ただ最初のそれはおもちゃみたいな感じで、音色は良いのですが、音程があんまり良くない。でもこれは絶対もっといいものになるはずだと思いました。その笛を作っている方を探してハンガリーまで行き、作っている方に出会い、どうやって作っているかを教えていただいて、その笛を大量に買って日本に持って帰ってきました。日本で何人かの木工家の知人に依頼して作ってもらったところ、さすがに日本の木工家の方は優れていましたね、京都・芦生の木工家の方はすぐに作ってくださり、それがとてもいいのです。僕も色々アドバイスはしましたが、向こうのものよりもとても精巧に作ってくださいました。以後、フォークソングのコンサートの中でも紹介していきました。

この笛がお土産として手元に来たのが1995年１月、阪神淡路大震災の直後ぐらいでした。同年４月に、神戸で前から予定されていたコンサートを急遽被災者支援コンサートとして開催しました。いざステージに立つと、被災されてどん底にいる目の前の人たちにどうやって言葉をかけていいかわからない、どういう風に歌っていいかわからない、そんな時たまたま持ってきていたその笛で『浜辺の歌』を吹いたところ、皆さん涙をポロポロ流しながら聞いてくださいました。それがおそらく日本で一番最初に聴いていただいた音ではないでしょうか。そこからスタートしました。ちょっと因縁めいていますが、神様が導いてくれたのかもしれないと思っています。

この笛はハンガリーでは「桜の木で出来たオカリナ」と呼ばれていましたが、名前が長いので日本は「木」を「コ」とも読むということで「コカリナ」と呼ぶようにしました。

―黒坂さんがフォークシンガーの活動をしておられた頃に影響を受けられたという民俗学者の故・宮本常一氏について教えてください。

黒坂さん　宮本常一先生との出会いは、僕にとってはものすごく大きなことでした。僕の歌手活動のデビューは大手レコード会社のキングレコードからでした。メジャー路線でレコード会社のほうでも結構力を入れてくれたのですが、時流に合わせてヒット曲を狙うという商業的な部分がどうも自分に合わない、売れる・売れないを気にするより、まずはいろんな人を元気づけるような歌を歌っていきたいと思うようになり、生意気盛りの20代後半もあって会社の人と言い争って辞めてしまったのです。当時、労音の皆さんが各地で一生懸命コンサートを開いていて、いろんなところで僕のコンサートも組んでくださっていたので、全国各地を回り始めていました。宮本先生に出会ったのはその時期で、引き合わせてくれたのはその頃友人となった周防猿回しの村崎修二さんでした。

宮本先生にお会いして、いろんなところを歩いて、コンサートをやっていきたいという話をしましたら、それはすごくいいと励ましてくださり、「文化というのは中央にだけあるのじゃない、地域ごとに素晴らしいものがあるから、そういう人たちと一緒に何かを作っていきなさい」という言葉をかけてもらいました。これはレコード会社をやめてこれからどうしようかなと思っていた当時の僕にとって、まさに天の声のように励まされました。それからは宮本先生が当時されていた観光文化研究所に出入りするようになり、活動の中で出会った人たちとのことを文章にすることを勧められて、宮本先生の「あるくみるきく」という、シリーズで150巻ぐらいある雑誌の120巻のところを僕が全部書かせていただいたりもしました。宮本先生が亡くなられた時は、猿回しと、鬼太鼓座（現：鼓童）、坂本長利さんという一人芝居の方、そして僕の４人で追悼コンサートをやらせていただいたりして、これからは宮本先生の遺志を継いで、とにかく丁寧にコンサートをやっていこうと心に誓いました。そしてその流れの中でコカリナにも出会った、宮本先生に出会わずメジャー路線で行っていたら、きっとハンガリーに行くこともなかっただろうし、ハンガリーに行っていてもコカリナに出会うことも、また出会ったとしても気に止めることもなかったかなと思います。

―そのコカリナが広がっていくきっかけとなったエピソードを教えてください。

黒坂さん　あれは長野オリンピックの時のことです。コカリナに出会ったのが阪神淡路大震災の1995年、長野オリンピックが1998年、その前々年1996年の春のことでした。当時オリンピック準備もすでに始まっていて、会場のひとつ長野県の志賀高原のある山ノ内町、僕はそれまで何度もコンサートやっていて町の人たちとも親しくしていましたが、そこで町の人とオリンピックの話をすると、オリンピックはいいんだけども、そのために町の木が結構切られていて辛いよね、という声を聞きました。その時にパッと「伐採された木でコカリナを作れないかな」と閃きました。行ってみると切られていたのはイタヤカエデというカエデの木で、すごく硬く、バイオリンにするには最高の木と言われている木でした。

早速その話をすると、町の人たちが木を運ぶ手伝いをしてくれて、先にお話しました京都の木工家の知人へ送り、早速作ってくれました。出来てきた小さなコカリナを見て、これは子供たちに吹いてもらうのが一番いいだろうということで、近くの山ノ内東小学校の子供達に100本プレゼントしました。そうしましたら子供たちがすごく喜んで。その中に一人、志賀高原から山ノ内町にスクールバスで通ってくる女の子がいて、彼女は自分が大好きだった楓がある日突然伐採されてしまった、すごく辛い思いでそれを見ながら登校していた彼女のもとに、その木が笛になって戻ってきた、という非常に運命的なことがありました。このことが基になって『コカリナの海』という児童文学が生まれました。

それで山ノ内東小学校の子供達みんながコカリナを吹いてくれた。それをオリンピック委員会が聞きつけてくださり、ぜひオリンピックのイベントでやって欲しいと依頼があり、長野市内で行われた表彰式などで演奏することになりました。この様子はテレビや新聞でも色々報道してくださり、全国から問い合わせがたくさん来ました。

それが広がっていくひとつの起点になりました。九州は鹿児島、福岡から、関西では神戸、大阪、また小さなサークルは無数にあるのですが。そして仙台、長野、東京、静岡・・・と広がっています。僕も最初、コカリナは独奏楽器としてある程度は広がると思っていたのですが、今のようにアンサンブルで広がっていくようになるとは思っていませんでした。

その大きな要因は、楽器の種類が増えたこと。これは木工家の方々の力です。普通はＣ管といってハ長調ですが、Ｇ管、またクラリネットと同じB♭管・・・私の埼玉の自宅の庭に小さな小屋があり、そこで試作品を作るのですが、それをもう少し綺麗な、しっかりしたものにしてくれと木工家の方に頼みます。これは専門の技術がないとできません。

例えば、コカリナはリコーダーのように下まで空洞が抜けていないのですが、これは上からくり抜いているためです。これがすごく難しい。特にＣ菅バスコカリナという大きな楽器では、20㎝以上掘っていって、下まで厚みが全く一緒じゃないといけない。こういうものを作れるのはみんな日本の木工家の技術のおかげです。いろんな楽器の種類ができて、アンサンブルができるようになったことで音楽的にもレベルが上がっていきます。僕は難しい曲じゃなければコカリナアンサンブルの響きはウィーンフィルよりいいんじゃないかと思っていますよ（笑）。ニューイヤーコンサートでラデッキー行進曲を聞いて、コカリナの方がいいんじゃないのと思ってしまいました。

すごいのは木工家の力だけでなく、木工家が使う道具もまたすごい。笛の胴体にリップという音が出る穴がありますが、この部分を鑿で一発でパシンって取るのです。また秋田では秋田杉で箪笥を作っていた職人にコカリナ作りをしていただいているのですが、その職人の方達が使っている道具はご自身が大将から頂いたもので今ではもう作れないという道具を使われています。

―今回のプログラムの中に被爆樹で作られたコカリナでの演奏がありますが、この楽器を演奏するようになられたきっかけを教えてください。

黒坂さん　僕の音楽活動のテーマのひとつとして「平和」について取り組んでいきたいという思いがあります。広島にはフォークソングをやってる頃から何度も伺っていますが、特に広島の高校生たちと出会ってからは、毎年８月６日に高校生たちとのコンサートをずっと続けてきて、彼らと一緒に歌を作るなどの取り組みもやってきました。

コカリナに出会った後、広島のコンサートの中でも吹きました。それを聴いた高校生たちから「僕たちは被爆した木を持っているので、それでコカリナは作れないだろうか」と話がありました。その木は真っ黒に焼けて炭みたいになったエノキでした。最初は無理だと思いましたが、焼けてない部分も少しあったのでとりあえず送ってもらい、音も出るかどうか確信のない中で作ってみました。そうしたらこれが何とも言えない音を出しまして。綺麗なというだけじゃなくて、何か魂があるような、焼けた部分が少し残っているせいかは分かりませんが、普通のエノキで作った楽器とは全然違った音が出てきてました。こうしてこの被爆樹コカリナでの演奏を始めました。

そうしていますと、広島市で８月６日前後に世界中の人たちが集まり開催される国際平和シンポジウムという催しで演奏する機会が巡ってきまして、そこでの演奏を聴いたアメリカ代表の方から、ぜひアメリカへ来てくれないかということで呼んでいただき、シアトルで演奏しました。そこで被爆樹コカリナのために作った「空」という曲や、アメージンググレースを吹いたのですが、この時の反響がすごかった。大変な感動で、涙を流される方も。アメリカという国は原爆を落とした側なのですが、やっぱり良心的な方もたくさんいらっしゃることを感じました。それからはアメリカではカーネギーホールでもやらせていただき、他にもオーストリアのウィーン、中国、韓国など、いろんなところで演奏しました。被爆樹コカリナの説明をしてから演奏を聞いていただくと、皆さんとても感動してくださる、やはり世界の皆さんはヒロシマ・ナガサキの悲劇はもうあってはいけないと思っておられるのです。特に昨年は被爆・終戦から80年ということで、広島、また沖縄でも、いろんなところで演奏させていただきました。

―今回共演していただく矢口周美さんと、新倉一梓さんについてご紹介ください。

黒坂さん　矢口周美は私の連れ合いでございまして、実はちょうど私がコカリナと出会った頃に彼女と結婚しました。前の奥さんを病気で亡くし、男の子二人を育てていてどうしようかという時に、たまたま彼女のお姉さんと東京で音楽活動を一緒にやっていた縁で知り合いました。彼女も和歌山の新宮というとこで労音の活動していまして、僕も呼んでもらったりしていました。

新婚旅行で僕も古くから付き合いのある函館労音（現・はこだて音楽鑑賞協会）を訪れた時、「周美さんも何か歌っていたんでしょう」と促されて歌いましたら、事務局長の梶原さんに、「お、いいじゃん。黒坂さんと一緒に音楽活動をやっていくといいよ」と言っていただいたことが、彼女の歌手活動の出発点となりました。それからコカリナの音と彼女の声が非常にマッチする、だんだんコカリナに添うような、木の声のような感じになってきたものですから、これはコンサートでも使えるなと思い、それからずっと一緒にやってきています。

新倉君とは、たまたまCDを作っている時にレコード会社の関係で知り合った、まだ若いピアニストです。でももう10年近く一緒にやってきているかな。東京藝大の作曲科を首席で卒業した素晴らしいピアニストで、アレンジも色々やってくれたりと、今では活動に欠かせない人です。

―最後に今回三木で立ち上げたコカリナアンサンブルとの共演についてコメントをお願いします。

黒坂さん　三木の皆さん、とっても嬉しいです。最初はたどたどしくても全然大丈夫です。音がとにかくいいですから、自信を持って一緒にやりましょう！神戸を拠点に練習している関西コカリナアンサンブルも一緒にコンサートに出演してくれます。コカリナはソロもいいですが、合奏になると木と木の重なり合う音が本当に美しいです。お楽しみください。

※このインタビューは黒坂黒太郎さんにご協力いただき、2月19日に神戸市内で実施させていただきました。

出演者プロフィール

黒坂黒太郎（正文）（くろさかくろたろう／まさふみ）／コカリナ

長野県上田市出身。コカリナの創始者。

1995年ハンガリーの民族楽器を楽器として精度の高いものに改良し「コカリナ」と命名。コカリナの第一人者として幅広く活躍している。海外での演奏も多く、ウィーンフィルの本拠地ウィーン楽友協会黄金のホールで３回、ニューヨークカーネギーホールで２回コンサート。被災地の子ども達を支援する活動も続け、東日本大震災の際は被災した松からコカリナを製作し、被災地の子ども達にプレゼント。また、ウクライナの子ども達を支援するコンサートを続けている。また、25年以上前から広島で被爆した木からできた被爆樹コカリナを演奏し続けている。戦後80年の2025年には広島市が管理していた被爆樹の剪定枝から新たな被爆樹コカリナを製作、広島の子ども達にプレゼントし、共に演奏した。その模様はNHK「おはよう日本」で全国放送された。また近年は小説も書き2023年「独鈷山（とっこざん）」を、2024年「少年と少年」を出版。「独鈷山」は映画化に向けて活動中。

NPO法人日本コカリナ協会ホームページ　https://www.kocarina-k.or.jp/

矢口周美（やぐちかねみ）／うた

和歌山県新宮市出身。現在コカリナ奏者黒坂黒太郎のコンサートにボーカルとして参加。黒坂やコカリナアンサンブルとの共演で、ウイーン楽友協会黄金のホール、N.Y.カーネギーホールなどでも歌声を披露。高い評価を得る。また、東京紀尾井ホールや東京浜離宮朝日ホールなどでもリサイタルを開催、成功させる。「ユーレイズミーアップ」の作者B.グラハム氏から「私は彼女が歌にもたらす、その美しい叙情的な声質が本当に好きなのです」と絶賛された。

新倉一梓（にいくらかずさ）／ピアノ

東京芸術大学音楽学部作曲科卒業。卒業時アカンサス音楽賞（首席）受賞。

東京芸術大学大学院作曲専攻修了。作曲を末吉保雄、夏田昌和、小鍛冶邦隆に師事。書家で詩人の相田みつを作詞の「ひとりでもいい」の作曲を担当。また、矢口周美のＣＤ「あなたにあえて」の編曲を担当。また、黒坂黒太郎のコカリナコンサートに伴奏者として参加。他、多数の作曲、アレンジに携わる。

関西コカリナアンサンブル

2019年6月に定期的に黒坂が指導を行う西日本初めてのコカリナ合奏団として誕生。兵庫・大阪・奈良・滋賀などから集まったメンバー（約40名）が、月に１度、黒坂の指導のもと、コカリナの演奏技術を磨いている。2024年4月第2回の定期演奏会をハーバーホールで開催。満員の観客を美しい音色で魅了した。2026年5月には第3回定期演奏会を予定。